台南藝術節從2012年至今，已經邁入第六年。「新評種」計畫，也從2016年開始，進入到第二年的培訓。第二屆「新評種」成員的招募分為兩組，沒有發表劇評經驗者為第一組，已經具備藝評經驗者為第二組。
筆者參與了今年「新評種」的徵選計畫，並且入選為第二組的成員。在台南藝術節期間，多次往返台南各個地區的城市舞台與藝文場館。除了觀看演出，也同時參與新評種的小組會議，以及「評論的未來」圓桌論壇。
回顧國外歷史悠久的藝術節，例如法國的亞維儂藝術節，起源於1947年，由劇場導演兼演員Jean Vilar創立。這個藝術節的起源，跟當時的藝術環境有關。也可以說，獨立自主的創作力量， 一直是亞維儂藝術節最重要的精神。而官方的角色，自始自終從未在藝術節佔據明顯的地位。反觀台灣，藝術節卻比較像是替城市做行銷與包裝，甚至還結合觀光與旅行，推出觀光客去當地旅行兼看表演的套裝行程。無論如何，藝術節確實讓民眾有更多親近表演的機會。若是能進一步發展出評論機制，讓表演作品本身，可以留下更多值得後人研究與討論的資料與文獻，這對於表演團隊、觀眾，甚至主辦單位本身來說，都是非常重要的。就長遠來看，評論制度的建立，也有助於提升整體藝文環境的發展。一個城市若是能在藝術節期間，留下質量兼具的美學評論痕跡，絕對有助於發展該城市的美學，並進而提升市民的品味。所以，執政的長官們，請千萬別再用放煙火，或是讓民眾免費看表演的心態，來舉辦所謂的藝術節。
以下，就個人在台南藝術節期間所觀看的七齣演出，擷取其中的部分評論，作為這篇文章的註腳。也期望，年輕的嘉義藝術節，可以在未來發展出類似的評論制度，讓所有的走過、看過、演出過的吉光片羽，留下更多值得回顧與思索的軌跡。
欲了解全文，請進入台南藝術節新評種頁面：
http://tnaf.tnc.gov.tw/art_critic_detail.php?id=12
雞屎藤新民族舞團《許丙丁文學舞蹈劇場──府城仙怪誌》武德殿版
外行人看熱鬧，內行人看門道。雞屎藤新民族舞團改編作家許丙丁《小封神》的故事，讓傳統民俗走向現代舞台，也讓觀眾重新認識府城的風土人文，以及屬於文學舞蹈劇場的身體語彙。這場熱鬧翻騰、趣味十足，適合闔家共賞的《府城仙怪誌》，的確讓筆者打開了眼界。期待雞屎藤繼續挖掘地方文學與信仰傳說，讓今日的觀眾有機會重新認識在地的故事與過往的風景。
身聲劇場《群婆亂舞》
整體來看，導演採用電台節目常見的通俗手法，帶入喜劇的表現元素，企圖讓台下的觀眾可以對台上的演出感同身受。筆者雖然可以理解他的選擇，但是整齣戲看下來，不免覺得有些單調沉悶與節奏上的重複。也許是日常生活的瑣碎面貌，不斷地被放大來搬演，導致看戲的疲乏。筆者心想，除了採取這樣平易近人的手法，拉近台上與台下的距離，究竟還有什麼樣的創新，可以在這個你我皆知的題材中施展？還好，現場的打擊樂活力十足，筆者始終能夠集中精神，在觀戲之餘，同時觀察身旁其他觀眾對演出的反應。最後，筆者認為，或許該回到創作者如何從柴米油鹽的日常瑣事，找到推陳出新的創意與方法，這才是所有劇場創作者更重要的功課吧！
阿伯樂戲工場《糖甘蜜甜》
阿伯樂的成員透過年輕世代的眼光，藉由搬演《糖甘蜜甜》來看待這段已成過眼雲煙的糖業發展史。不可否認這些演員對於歌唱與音樂部份的掌握，比表演的部分還更為熟稔些。望著舞台上堆砌的時空道具，霧裡看花的歷史過往，筆者好似搭乘了五分車，來了一趟時光旅程。可是，演出一旦結束，筆者只感受到一股莫名的空洞，墜落在紅樓的木地板上，卻無法激盪出更多情緒上的共鳴或是感動。
稻草人現代舞蹈團《不‧在場》舞蹈浸潤房間特定場域演出
當整個《不．在場》的表演結束，儘管目睹著驚奇與許多無法言喻的感受在心中發酵。然而，究竟該如何去定義「在場」或是「不在場」？當這場旅行者的夢境結束，散戲醒來的瞬間，越是去釐清剛才所經歷的一切，越是只能捕捉到片段的畫面與感受。當這齣《不．在場》的舞蹈沉浸房間演出，打破了傳統的第四面牆，解放了對空間、對表演者、對觀眾的安全距離，解夢顯得多餘且徒勞。或許，單純享受這場無法被定義的演出，正是對表演本身最好的註腳。
結合了戲偶、物件、光影的《初生》，劇場性與創意十足。從手提箱變成鯨魚的道具，同時也是光影戲的舞臺。演員利用傘頭的開合設計，製造出海鷗展翅飛翔的動作。小丑魚自由擺動的姿態，則是演員手上戴著小丑魚特有的紋路手套來扮演的效果。演員除了操偶、執行投影，同時也得模擬不同角色的聲音，讓觀眾更融入於劇情中。為了讓觀眾可以更近距離觀賞演出，也特別在演藝廳的舞台上打造觀眾席。演出後，導演與觀眾之間進行問答。小觀眾們的提問，圍繞著投影、音樂、聲音如何被製造出來等。可見得，觀眾確實被飛人集社所製造的劇場幻覺所臣服。而這場演出，也讓觀眾們留下不可磨滅的印象。
能祖將夫群讀音樂劇《銀河鐵道之夜》
此次的藝術節，《銀河鐵道之夜》被列入「國際經典」節目。但是，若能考慮在台灣演出的地域性，日本導演首度在國外執導這齣已經在日本連續被搬演過九年的作品，面對在地化的取捨與台日共製的多元性，未來若仍考慮在台灣演出，或許有更適當的台灣改編版本與發展的可能性。相較於語言的不夠在地化，這齣戲的音樂表現，融合了傳統戲曲、台灣民謠、原住民的音樂，以及音樂設計者本身的創作。比起國、台、日三種語言的混雜使用，音樂上的創新，反而更成功地讓觀眾沉浸在銀河鐵道之旅中。或許，這也印證了音樂無國界的道理吧！
財團法人台北市文化基金會《拇指小英雄》
《拇指小英雄》自從2010年臺北兒童藝術節首演之後，由於強調用聽覺開啟童話的想像，讓小朋友學習克服恐懼，演後大受好評而不斷重演。若以現代人的角度來看，這個童話文本所呈現的世界觀，其實充滿著許多的爭議與矛盾之處，但是卻沒有在演出中獲得更多的詮釋與處理。舉例來說，失職的小拇指雙親，迫於窮困而選擇遺棄孩子，他們從頭到尾沒有受到半點的批判。無辜被犧牲的妖怪女兒們，對吃人的妖怪來說，或許是他平常的壞事做太多而應得的報應。然而，妖怪的妻子從頭到尾都是個良善的好人，卻得承受失去女兒們的痛苦，似乎也說不過去。小拇指用狡計騙取她的財物，不僅沒有受到半點的責難，甚至在故事尾聲，也不斷強調小拇指的機智與英勇而獲得最後的勝利。故事的最後，說書人將小拇指的所作所為，賦予英雄化、神聖化的光環。筆者認為這樣的作法，是過度簡化了這齣作品所欲展現的精神與意義。
